En las notas de su último álbum, El evangelio según el agua, el compositor poético y prestigioso productor Joe Henry enfatiza dos veces que de dónde viene una canción no es lo que es una canción. Inmediatamente dice que estos 13 poemas crudos, vigorosos e íntimos escritos con una inspiración rápida a principios de este año y grabados en tomas de demostración después de ser diagnosticado con cáncer de próstata en noviembre pasado no son autobiográficos, sino canciones sobre cómo encontrar la luz en medio. de circunstancias nubladas. Es como alguien que lleva una linterna a través del bosque oscuro, dice el residente de SoCal.
Su decimoquinto álbum de estudio, El evangelio según el agua (earMUSIC), marca un hito fortuito en la próspera carrera de tres décadas de Henry, que ha incluido grabaciones tan convincentes como la salida pop de 2001 Scar (que contó con una rara aparición del saxofonista de avant jazz Ornette Coleman) , la joya estadounidense de 2007 Civilians y el álbum de dúo de 2016 con Billy Bragg, Shine a Light: Field Recordings from the Great American Railroad . También ha producido más de 50 artistas, incluidos los premios Grammy para la leyenda del soul Solomon Burke ( Dont Give Up on Me de 2002), el héroe popular Ramblin Jack Elliott ( A Stranger Here de 2009) y la banda de raíces Carolina Chocolate Drops ( Genuine Negro Jig de 2010).
El cantante/compositor celebra el lanzamiento el 15 de noviembre de El evangelio según el agua en el Teatro Largos Coronet de Los Ángeles con el pianista Patrick Warren, el bajista David Piltch, el bajista Levon Henry, los coristas JT Nero y Allison Russell de Birds of Chicago y el baterista. Jay Bellerose. En el Big Ears Festival en Knoxville del 26 al 29 de marzo, Henry se presentará con su banda 115th Dream que incluirá al guitarrista Marc Ribot de raíces a jazz y al pianista de jazz Jason Moran, compañero de MacArthur.
Nosotros habló con Henry sobre su nuevo álbum, así como sobre su estado de salud actual.
El nuevo álbum es muy poético. Tu composición adquiere una calidad de poesía que requiere múltiples escuchas para llegar a la profundidad de tu emoción.
Supongo que debería agradecerte. Es un cumplido, pero la poesía no es para todos. La gente en la América contemporánea no es propensa a leer y apreciar la poesía. Puedes decir poético, pero la gente parece pensar que eso significa bonito. Pero en realidad no tienen idea de lo que estás hablando. Me tomo en serio esa parte de mi música. Proceso cualquier cosa significativa en mi vida escribiendo. Escribo para aprender, para comprender, para descubrir. Cuando cayó el zapato en noviembre pasado, mi amada esposa dijo que hay muchos grupos de apoyo. Pero no es así como procesé lo que estaba pasando. Necesitaba escribir para superar los días más oscuros. Podría haberme enrollado fácilmente en el suelo y aceptar que las paredes se estaban cerrando sobre mí, pero tan pronto como comencé a escribir, encontré un nuevo acceso a mi propia imaginación y pude imaginar mi camino hacia el otro lado del mundo. bosque y yo lo hicimos.
Un año después, ¿cómo está su salud?
Estoy orgulloso de estar en remisión. De hecho, me siento mejor ahora que en un par de años desde que descubrí lo que se arrastraba dentro de mí como la hiedra en una chimenea. Estoy en terapia de privación de andrógenos. Es un protocolo farmacéutico que derrota la producción de andrógenos en mi cuerpo. Eso no es lo que causó el cáncer, pero es el principal combustible para él. Desafortunadamente, no atrapé el cáncer de próstata a tiempo y me hizo metástasis en los huesos. La ventaja es que esta terapia no implica cirugía, quimioterapia o radiación. Hubo cosas sobre mi terapia que no me importaron, pero respondí notablemente bien, así que tomo eso como una bendición que me ha permitido seguir adelante.
¿Fue parte de tu terapia general la creación del nuevo álbum?
Las canciones llegaron todas a la vez. No fui persiguiendo canciones. Sobre todo, la poesía me despertaba a las 4:30 a.m. Estaba completamente oscuro y encendía un fuego y luego se me ocurría un nuevo poema todos los días. Pero yo estaba desprovisto de la canción en sí. Luego, una noche, escribí un nuevo poema y pude escuchar la música en él. Escribí las palabras lo más rápido que pude. Una vez estaba en mi auto camino a tomar un café con un amigo y comencé a cantar la canción de un poema que acababa de escribir. La melodía se ofreció casi completamente formada. Me detuve a un lado de la carretera y la canté en mi iPhone. Había recordado todas las palabras de la noche anterior, que era su propia sorpresa. Luego fui a casa, saqué mi guitarra y la encontré allí.
Entonces, ¿así era como se desarrollaba todas las noches?
Vinieron en una caída, uno tras otro. Nunca había experimentado esto antes. Llegó un punto en el que deseé que se detuviera, para poder hacer un balance de lo que tenía. Pero las canciones siguieron llegando. Me he entrenado durante años para no solo dejar que los peces naden junto al bote, sino al menos hacer algún tipo de juego para ellos. Así que seguí escribiendo y me di cuenta de que eran un cuerpo de trabajo. Y me sentí desesperado por grabarlo, pero no sabía cómo podría hacerlo.
Habías renunciado a tu estudio en el sótano cuando vendiste Garfield House en 2015, por lo que no tenías lugar para grabar. Pero le habías dado un piano a tu ingeniero Husky Hskulds cuando te mudaste, así que él te ofreció su estudio.
La industria en la que yo participaba se había derrumbado. En mi estudio, estaba haciendo el doble de trabajo por un tercio del dinero. Había tanta ansiedad al tratar de aferrarse a esta hermosa e histórica casa. Durante diez años, produje casi el 80 por ciento de los álbumes en los que trabajé en mi sótano. No podía creer el barco largo de personas que habían grabado allí. Incluso ofrecí mi estudio a veces de forma gratuita a personas cuyo trabajo era profundamente significativo para mí. Dije, págame como productor e incluiré el estudio como parte del trato porque quiero ver que este disco suceda. Un buen ejemplo es el disco de Ramblin Jack Elliott que acabó ganando un Grammy. Había estado obsesionado con la canción del reverendo Gary Davis, Death Dont Have No Mercy, y quería que Ramblin Jack la cantara. Así que se nos ocurrió la idea de hacer country blues de la época de la Depresión como excusa para escuchar esa canción.
¿Cómo surgió este nuevo álbum?
No recuerdo haber trabajado en ninguna de estas canciones. Todos llegaron intactos. Ellos se ofrecieron. Todo lo que hice fue empujarlos hacia el bote. Se movieron a través de la habitación como el clima, y ??traté de subir mi cometa. Estaba profundamente involucrado en estas canciones, así que quería documentarlas antes de que las olvidara. Así que reuní a personas importantes en mi vida personal y creativa para ir al estudio de Husky durante dos días para hacer eso. Ese proceso me dejó increíblemente liberado. Nunca me sentí más libre al grabar sin expectativas de cómo debían ser las canciones a medida que nos involucrábamos profundamente en ellas. En casa, volví a escuchar y supe de inmediato que así era emocionalmente como quería que aparecieran las canciones. Sería una tontería armar un presupuesto e ir a un estudio y adornar las canciones en mayor medida. Pero sentí que la esencia de las canciones se realizaba mejor en un escenario muy escaso y en vivo. Husky y yo hablamos sobre la cantidad de drama disponible en la grabación en solitario. Puedes agregar más elementos, pero la guitarra acústica y el canto hicieron que el álbum fuera íntimo y enorme. En el estudio no haces drama añadiendo más instrumentos. La voz en una habitación se vuelve intensa y enorme. Su música inquietante para mí. Y respondo a cualquier música que evoca fantasmas en el aire.
La canción de apertura, Famine Walk, suena como una flor autorreflexiva que emerge de la tierra negra.
Quería expandir mi imaginación a medida que pasaba por mis terribles circunstancias. Pero esto no es autobiográfico. Todo viene a través de la lente de mi propia experiencia. Raramente pongo mi vida personal en mis canciones. Esto se basa en mi tiempo antes de mi diagnóstico en la costa oeste de Irlanda el año pasado cuando caminé con los lugareños en el Paseo de la Hambruna donde las víctimas de la Gran Hambruna [1845-1849] abrieron caminos a través de las montañas a cambio de un tazón de sopa cada día. Los paseos eran bastante altos donde se puede ver la costa y las viejas casas de hambre abandonadas que aún están en pie con enormes árboles que crecen en medio de ellas. Eso se convirtió en una metáfora fácil y adecuada de lidiar con el momento presente que te confronta acerca de ser consumido de vuelta a la tierra. Es como lo que escribió la poetisa Mary Oliver: ¿Qué vas a hacer con esta vida salvaje y preciosa? ¿Cuál es mi papel en el presente? Estuvimos aquí solo por un breve tiempo. Hay muchos viajes, algunos reveladores en las formas esenciales de ser muy consciente. Sin embargo, con el visitante inesperado, no puedo descartar las salvajes revelaciones.
Relacionado
Joe Henry tiene nuevo álbum en solitario, Proyecto Johnny Cash alineado para 2014
En casi todas las canciones el agua aparece como imagen recurrente un mar, rompiendo olas, un río, remando, lluvia de invierno.
Hay una filosofía oriental que dice que todos debemos ser como el agua. El agua es increíblemente poderosa pero inimaginablemente flexible. Penetra todo. Se mueve a través de todo. Para mí se trata de reconocer el agua como el paisaje que también se mueve a través de tu cuerpo. En la canción principal, el agua es la fuerza detrás de las olas que vemos. La ola está ahí para hacerte saber sobre el poder del agua. Todo en la vida está en movimiento, en constante evolución. Eso es lo que hace que la vida sea misteriosa: nada se puede clavar en el suelo. Podemos intentar permanecer agazapados, pero seremos arrastrados.
Usted nombra a dos personas en los títulos de sus canciones: Orson Welles y el estratega militar del siglo VI a. C., el general Tzu. ¿Cómo encajan y por qué los titulaste así?
No tengo ni idea. Me hablaron solos. Si me entregaba al hecho de que el título sería Orson Wells, entonces sabía que algo iba a pasar. Realmente no sé por qué estaba en el sistema de entrega de las ideas expresadas en esa canción, pero estaba muy feliz cuando llegó. El personaje se expresa en la línea Moviendo la tierra y el cielo marca a un hombre en respuesta a la pregunta de por qué el negro está en mis manos. En cuanto al General Tzu, antes que nada, tenía el título El General Tzu nombra los planetas para sus hijos. Simplemente apareció. Es como ver un rastro de vapor de un avión arriba. Miras hacia arriba y ahí está. Pero yo sabía que había algo significativo en su nombre. Así que escribí sobre este gran comandante que mira arrogantemente hacia arriba desde una playa vacía y siente que tiene el control para nombrar planetas para sus hijos como si fueran sus dueños.
Hay tanto un sentido de romance como de espiritualidad en muchas de las canciones como Green of the Afternoon, The Fact of Love, Gates of Prayer Cemetery #2, y el estribillo de Pray For Me en Choir Boy.
Todas las canciones del álbum son profundamente románticas. No los veo tan oscuros en absoluto. The Fact of Love fue la última canción que escribí un día antes de las sesiones de grabación. Mi esposa es artista textil y escultora. Estaba trabajando en un trozo de hormigón vertido desenterrado que parecía el tronco del cuerpo de una persona. Lo llamó The Fact of Love, así que le robé ese título sabiendo que había algo que escribir. Creo que la espiritualidad ha sido muy palpable en mis últimos discos. Solía ??sentirme aprensivo al hablar de espiritualidad y nuestras vidas mortales porque estaba demasiado preocupado por cómo eso afectaría a las personas. Pero los personajes de estas canciones están desesperados por comprender más allá de sí mismos y ver lo divino en cada uno, y cómo permitirnos vivir sólidamente sabiendo que no siempre estaremos aquí.
Cuéntame sobre el video de la canción Bloom, en el que solo estás mirando a la cámara.
No tengo ningún interés en los videos musicales. No me sirven ni sirven a la canción. Pero me pidieron que creara contenido visual. Así que le pedí a mi amigo [retratista] Jacob Blickenstaff que hiciera un video de solo mi cara con un fondo oscuro, haciendo referencia a las pruebas de pantalla de Andy Warhol en los años 60, que enfocaban una cámara en la cara de una persona durante un período de tiempo incómodo. La idea original era poner la letra debajo, pero una vez que vimos el clip nos dimos cuenta de que la letra distraía. Así que lo dejamos como una invitación a la gente a escuchar la canción. Escuchar no es una actividad pasiva. Varias personas me han escrito para decirme que es desconcertante verme sentado allí y mirarme a los ojos. No me importa si soy desconcertante. Ese no es el objetivo. Estaba llamando la atención sobre la canción, no yo.